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１９１４年５月９日　イタリア南東部バルレッタ生まれ
　　　　　　ローマ　サンタ・チェチーリア音楽院卒業
　　　　　　元はチェロ奏者。フルトヴェングラーの下でも演奏した。
　　　　　　ミラノ在住

◇

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バッハ：ミサ曲ロ短調

Ｃ・Ｍ・ジュリーニ指揮／バイエルン放送交響楽団
バイエルン放送合唱団；Michael Glaser
Ruth Ziesak(S)/Roberta Alexander(S)/Jard Van Nes(C-A,A)
Keith Lewis(T)/David Wilson-Jhonson(B,Baritone)
1994-6 ミュンヘン
SC S2K66354

　これは美しい。至高の美といってもいいかもしれない。
　ジュリーニの代表盤であると同時に、バッハの代表盤でもあり、すなわちクラシック音楽の代表盤でもある。

　私はあまり声楽曲を聴かない。理由は言葉がわからないからである。いまさら苦労して意味を知ろうとも思わない。そんな苦痛に耐えながら音楽を聴いたってちっともおもしろくない。そんなことをしなくても素晴らしい感動を与えてくれる音楽はほかにいくらでもある。

　だが、このロ短調ミサは、そんなハンディ（言葉の意味のこと）を乗り越えて感動を与えてくれる。カーステレオ（古い？）で聴いていても、運転中に涙が出てきて困るほどだ。
　声楽部が音響としても美しく聴こえる。
　
　演奏は晩年？の特徴が如実に現れ、超スローペース。響きはリッチで包み込まれるようである。
　おそらく古楽派の、やせこけて貧弱でせかせかしたテンポの音作りを好む向きには、身悶えしてしまい聴き続けることは不可能であろう。
　しかしながら、グロリアのGratias agimus tibi（われらは汝に感謝を捧げる）、終曲のDona nobis pacem（われらに平安を与えたまえ）では、永遠にこの響きの中に浸っていられるのではないか、いやできることならそうしていたい、極端に言えばこのまま死んでしまってもいい・・・、そこまで思わせるような天上から降ってきたような音響（楽）美が堪能できるのである。
　ジュリーニはまた、セラフィムでもあったのだ。

('00/09/09)

バッハ：ミサ曲ロ短調　ＢＷＶ２３２

Ｃ・Ｍ・ジュリーニ指揮／ニュー・フィルハーモニアO&cho.
Jenny Hill(S)
Janet Baker(CA)
Peter Pears(T)
John Shirley-Quirk(B)

1972-6-10／セント・ポール教会；ロンドン（ライヴ）
BBCL 4062-2(2CD)

　これはジュリーニ中期？の作品です。初期の「炎」の面影は消えて、後期の「レガート風」な雰囲気がかなり色濃く漂います。ジュリーニのこの曲に対するイメージにもよるのでしょう。　
　ですから、例えばリヒター盤／リリング盤に比べて、はるかに湿っぽいです。しんみりしてきます。
　ミサ曲とレクイエムはどう違うのかはよく知りませんが、レクイエムっぽいと言ったら笑われるでしょうか。私のミサ曲に対するイメージというのはこういう雰囲気です。
　繰り返しますが、リヒター盤などでは、あっけらかんとしすぎてしまっています。
　バッハへのアプローチとして、鍵盤楽器系と歌謡系という分類があるそうです。そういえば、リヒターやリリングは鍵盤奏者です。一方ジュリーニはガチガチの歌謡系（矛盾した表現だ）。
　うーむ、端的に言い表しています。

　これはライヴ故、精度に劣るところもあります。特に独唱に「？部分」がありますが、泣きは入っています。時折浮き出すように聴こえるオルガンにも郷愁を覚えます。どういうタイプのオルガンかはよくわかりませんが、小型のパイプオルガンといった風情でしょうか。
　
　聴きどころのひとつは、お約束ですがグロリアのGratias agimus tibi。ほーらきたきた。（三途の川の）向こうから聴こえてきましたよ、と。
　あ、このままもう少し（雑）音をたてないで・・・と余韻に浸っていたい気分にさせられます。ライヴで合唱団が立ったり座ったりするもんだから、その都度ガサガサという音がはっきり入ります。こういうノイズをそのまま載せる？ところがＢＢＣの偉いところであり、見識だと思います。
　ですから臨場感、雰囲気は抜群です。教会（ロンドン／セント・ポール・カテドラル）での録音（ライヴ）というところにもアドバンテージがあります。
　そしてこれはライヴならではの良さとも言えますが、終曲に向けてだんだん集中力が高まって行く様子がよくわかります。ぐいぐい引き込まれてしまいます。思わず手に汗握る場面も。
　そしてフィナーレでは・・・やってくれましたね、ジュリーニさん。こういう終わらせ方があったか！　もう涙、涙。
　遠く（後ろのほうの座席）から湧きあがるような拍手もいかにもそれらしいです。でももうちょっと長い時間フェードアウトしないでいてほしかった。その時の聴衆と一緒に余韻に浸っていたかった。

　これは、後のBRSO盤(SONY/'94）に負けずとも劣らない名盤として推薦できます。
　オマケですが、最後にジュリーニへのインタビューの模様を録音したボーナストラックが付いています。生ジュリーニを知る（偲ぶ？）一助にもなるかと。
２００２年１月２７日（日）

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ベートーヴェン：交響曲第８番

ジュリーニ指揮／ミラノスカラ座O
(SC)

　これはとても優美な演奏だ。このシリーズの他の曲にくらべても、ことさら「女性的」に解釈し、その点を強調しているかのようだ。　２、４番でさえある種の無骨な印象を受けるのだが。

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ベートーヴェン：交響曲第９番　 ジュリーニ指揮／ＢＰＯ （ＤＧ）’89

ジュリーニ指揮／ＬＳＯ （ＥＭＩ）’72

　この２枚は驚くほど似ている。違いといえば、ＬSO盤のほうがオケに荒さが目立つぐらいだ。
　私は再録のたびにスタイルが変わるような演奏家は信用できない。もちろん年齢と共に深みが増してくるのは当然と思うが、やはり一本筋の通ったところが必要であると思う。

　ここには美しい音や陶酔的な表現はない。表面的に整えることをしていない。徹頭徹尾無骨である。意識的にそうしているかのように見える。
　これを聴きながらふと気付いた。ジュリーニは「９番」という音楽に対して、特別のアプローチをしているのではあるまいか。
　ＤＧのブルックナーにしても７番８番の優美さが９番では感じられない。マーラーの９番も美しくない。
　このあたりを切り口に聴きなおしてみると、ジュリーニの別の顔が見えてくるかもしれない。
（'00/09/06）

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ベートーヴェン：ピアノ協奏曲第１，３，５番

ミケランジェリ
ジュリーニ指揮／ＶＳＯ
（ＤＧ）

　私はスコアとともに生き、スコアは私の一部になります。その瞬間、私は作曲者の召使になる。作曲家は天才で、私は何者でもない。

　ジュリーニはかく語りき。
　彼がいかに自分を虚（空）しくして作曲者（＝音楽）に奉仕しているか、ということがわかります。

　私は不幸にも彼のライヴに接することはできませんでしたが、僅かながらに残された映像を見るに、ほんの指先だけで全てをコントロールしているのではないか、と思わせるほどの最小限の動きしかしません。（実演に接した人の談にも、そのような類のものがありました。）
　その指揮姿はもう「神々しい」としか言い様がありません。その姿を見ているだけで感激してしまいます。そしてこう思います。「この人は本当に音楽がよくわかっている。」
（「私は何者でもない」、この言葉を読んだだけでも目がうるうるしてきます。）

　ジュリーニの指揮姿を見てしまったら、ステージで「運動」してしまっている指揮者など、本当にはっきり言ってしまって「馬゛鹿」としか思えません。
　もう汗ビッショリ。本人はいいエクササイズになったことでしょうが、見ているこちらは不快極まりありません。
('02/1/7/月)

ベートーヴェン：Ｖｎ協奏曲

アッカルド
ジュリーニ指揮／ミラノスカラO
(SC)’92

　私はアッカルドには何の思い入れもない。
　そもそも男性ヴァイオリニストなど、端から聴く趣味を持ち合わせてはいない。
　ただジュリーニのベートーヴェンが聴きたかっただけである。
　運良く店頭で見つけて、ラッキー、今日はいい買い物ができた（かな）とルンルン気分で帰ってきたのだ。

　ところが、何だこれは。ルンルンはあっさりウルウルに逆転した。
　アッカルドというのは名手ではないのか。イ・ムジチのコンマスも勤めた。
　合っていないのである。はっきり言ってソロ・ヴァイオリンが遅れる。
　アッカルド４１年生まれ。この年５１才。
　ジュリーニ１４年生まれ、７８才。だがこの後、まだベートーヴェンやシューベルトの交響曲や、かのロ短調ミサを録音している。問題があったとは想像できない。
　
　ソリストが遅れる協奏曲なんて聞いたことがない。しかも「若い」ソリストである。バックがインテンポでいっているのに意味なく遅れる。不安定すぎる。どうにも落ち着かない。
　ソリストに向かって「ほらほら、そこ！遅れるな！」と言いたくなる。
　かといって、歌いまわしや音（ボウイング）に魅力があるわけではない。
　もはや聴く価値を何も見出すことはできない。

　この件はこれで終わりである。もうこれでアッカルドはブーである。繰り返すが、そもそもアッカルドに何ら思い入れがあるわけではない。
　ここで私は、アッカルドの他の演奏を聴いて、耳直しを・・・などという余裕はない。
　もっともっと、ヌヴーやマルツイやチョンのレコードを聴く時間が欲しいのだ。

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シューベルト　交響曲第４番 「悲劇的」

１．ジュリーニ指揮／ＢＰＯ
（ＳＡＣＤ）’７７

２．ジュリーニ指揮／ＢＲＳＯ
（ＳＣ　ＳＲCＲ　１６５２）’９３

　これらの演奏では、音楽が奔流のようにこちらに噴き出してくる。おもわず圧倒されてたじろいでしまう。目を見張らされる。おいおい一体この迫力は何なんだ。
　同じシューベルトでも未完成やグレイトなどでは、大河の流れを思わせる悠然たる演奏であるが、こちらは同じ大河でも嵐の後の洪水のような演奏である。この熱い情熱の噴出はまた、ジュリーニの一面である。

　さてこの指揮者は美しい旋律やハーモニー（主に音の作り方）が特徴のように言われることが多いが、私の見方は少し違う。
　それは「怒り系」の音が聴かれることだ。演奏者の覇気が伝わってくる。時には「腕から炎が燃え上がるような」と形容されることもある。

　この曲にはＢＰＯ（ＳＡＣＤ盤）とのライヴがある。両者の表現はほとんど変わらない。オケがベルリンフィルであること、年代が若いことも相俟って力の漲りかたが違うくらいだ。同じことを何度も繰り返すが、年代を経たとはいえ（１５年以上！）その解釈には一点の揺るぎもない。
　いずれにしても、タイトルからは想像できないような迫力である。なぜ「悲劇的」などというタイトルが付いたのだろうか。
　シューベルトをロマンティックにあるいは女性的になよなよ？とさせてしまったのとは対極にある、まことに雄雄しい男の姿がここにはある。

　ＢＲＳＯとの正規盤がライヴであることも特筆である。また、このレコードではカップリングの順番が７番「未完成」→４番「悲劇的」の順であることも興味深い。何だか４番の方がメインであるかのような錯覚をさせられる。

　【お断り】　このＨＰ内では、交響曲の番号が「未完成」が７／８番、「グレイト」が７／８／９番が混用されていますが、それぞれのジャケットの表記を尊重？しています。私は「版」の問題と同じく、これらの番号表記にも何のこだわりも持っておりません。
('01/05/22)

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シューマン 交響曲第３番 「ライン」

Ｃ・Ｍ・ジュリーニ指揮／ロスアンジェルスＰＯ
（ＤＧ）

　私は、シューマンの交響曲については、それほど積極的に聴く意義を持っていない。
　ジュリーニのこの演奏を聴かなければおそらく当分はこの曲を聴かなかっただろう。
　当分とは、（聴きたい）コンサートで取り上げられない限りは、という意味である。だから場合によっては５年から１０年位かもしれない。

　ところがある日購入したベト＃５とカップリングされたこの演奏を聴いて私は驚嘆した。ＣＤをプレーヤーにかけて（「かける」ってどの漢字が正しいんだろう？「掛ける」か。）席？に戻ろうとしたその時、冒頭から「華々しい」金管のハーモニーが聴こえたのだ。「おおっ、この曲ってのはこんな曲であったのか！」
　シューマンというとなんだか病的で暗い音楽だと思い込んでいたのだが、そのイメージが見事に打ち砕かれ、新しい発見をさせてくれた。ジュリーニでなければできない演奏であろうか。
　
　また、「版」を問題にする向きがあるが、いつも述べるように私は全く気にしない。出来上がったものに必然性があり、それが納得感のあるものであり、説得力を持つものなら一向に構わないのだ。
(01/05/22)

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ドヴォルザーク　交響曲第７，８，９番

ドヴォルザーク　交響曲　（ＥＭＩ　６８６２８　２）
　第７番　　　ジュリーニ指揮　ＬＰＯ　’７７
　第８、９番　ジュリーニ指揮　ＰＯ　　’６２

　このシリーズから８番を聴く。

　これはまた！凄い演奏だ。熱い。爆演に近いと言ってもいい。フィナーレなどフルトヴェングラー顔負けのアッチェレランドである。

　この時ジュリーニ４８才。若いといえば若いが、今の私よりも年上である。
　こんなことを言うのは不遜であるかもしれないが（いや、とっくにそうか？）、もし私が指揮できたとしてもこんなに激しくはやらない。
　こういう演奏も「すげーなー」とは思うが、長く（繰り返して）は聴きたいとは思わない。ジュリーニを聴くなら、もっと後期のものを選択するだろう。

　私はとにかく「落ち着いた」テンポが好きなのである。音楽をじっくりと味わいたいのだ。

　昔はやはり、スペクタクルなものにあこがれ、スカッとする楽曲や演奏を好んだものだが、そういうものは一時的な熱病のようなものであり、表面的なものであることに気付いた。
　「爆演」と呼ばれるものもそうである。いたずらにデフォルメして「オモシロ」を狙っただけのものである。
　また「そういう演奏」を表面的なオモシロさだけで聴いてしまうことにも問題がある。音がでかいから、スピードが速い（あるいは緩急が激しい）から、いいのではなく、その背後にあるものが分るなら聴く価値はある。その表現が「自然」であるならば私も認める。
　だが、そういう演奏は往々にして「あざとさ」だけが見えてしまうのだ。効果ねらいである。こけおどしであり、びっくり箱のようなものだ。つまりオモチャだ。

　「素晴らしい音楽」というのは、別に無理しなくても自然に素晴らしく仕上がるものなのである。無理しなきゃ音楽にならないようでは、その音楽家はまだまだだと思うことにしている。
　この場合に当てはまるかどうかわからないが、「平凡の非凡」である。何もしていないように見えて、実は本質を突く。これこそが一流の証であると思う。

　また、「一生懸命がんばってるように見える」うちは、本当の音楽は聴こえてこない。指揮台の上で大汗かいたり、体操してしまったり・・・見るだにおぞましい。
　オケの伴奏に合わせてラジオ体操してんじゃねえよ！・・・いくらなんでもこれは言いすぎか。

　それらのものが全部消えて、ステージも何も見えなくなって、音楽だけが聴こえて来たときに素晴らしい感動が「襲ってくる」のである。「ああ、いい音楽だなー」と、しみじみと感じた時である。
　これは、演奏者が何もしていないように見える時である。

　演奏者に同情？して感動していてはいけない（どう聴いてもカラスの勝手なんだけど）。

　「音楽」に感動するべきなのである。
　そういう音楽を聴かせてくれる音楽家こそが、偉大なのである。
（2000/10/11)

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ブルックナー：交響曲第７番
ウィーンＰＯ　（ＤＧ）

　このジュリーニによるブルックナーシリーズは、見事にジュリーニ＋ウィーンＰＯを象徴する音楽である。「優美」という言葉がこれほど似合う音楽を、私は他に知らない。（別のところでも言っていそう・・・）
　完全に神の領域であり、涅槃に入っている。ここでのジュリーニは、ほとんど何もしていないように見える（聴こえる）。
　これはウィーンＰＯとブルックナーだけの音楽である。ジュリーニが身を捨てて完全に奉仕しているのだ。
　余分な美辞麗句は何も必要ない。ただただ感動だけが残る音楽である。

ブルックナー：交響曲第８番

ジュリーニ指揮／VPO
(DG)

　年末年始。こういう大事な時に聴く曲と言えば、ブルックナーの８番。これしかありません。
　そしてブルックナーと言えば、ジュリーニ。これまたこれしかありません。
　でも、７番８番９番しか・・・。いえ、それでいいのです。それ以外に聴くべきものはありません。ですからジュリーニのブルックナーはこれで完結しているのです。（いちおう、２番なんてのもありますけど。）
　
　俗っぽく言って、これは私の愛聴盤です。ことある毎にこれを聴きます。こと無い時にもこれを聴きます。さて、何を聴こうかと思って、何も聴きたいものがない時にも、です。
　そして、聴けば聴くほど、ブルックナーはこれ以外にない、という思いを強くします。
　「ブルックナーはジュリーニに収斂されていく・・・。」

　「飽きる」という言葉があります。でもこの演奏には飽きません。私は基本的に飽きるということが（少）ないのですが、特にこの１枚についてもそうです。何故でしょう。
　「何もしていない」からです。ここにジュリーニはいません。あるのはただブルックナーの音楽だけ。そしてそこにはブルックナーさえもいない・・・。
　だから決して飽きないのです。
('０２/１/３/木)

ブルックナー：交響曲第９番

ウィーンPO
（ＤＧ）

　ここでは、怒り系のジュリーニが聴かれる。炎が噴き出すようだと言われるあれである。
　おいおいどうしたの、というくらいＶＰＯがとち狂っている。こちらがたじろいでしまいそうだ。ここまで燃えさせることができたのはジュリーニしかいないのでは。
('00/08/31)

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マーラー交響曲　第１番「巨人」

　長い事（リマスターでの再発以来）迷っていたのだが、とうとう買う気になった。コレクションの穴埋め程度の感覚だが。
　ジュリーニにはこの曲の新録はないことだし。（当たり前だ、理由はおいおい明らかに）。
　私は基本的に「旧録」に興味はない。再録したということは、ある意味で過去のものを否定したということだからだ。だから新録があれば、敢えて旧録は必要ない。
　それに、私はこの曲があまり好きではない。昔（２０代のころ）は、ワルターのＬＰで聴いていた。ラトル／バーミンガム響の来日公演をテレビで見て、ほう、と「感心」していた。だがそれ以降はだんだん聴かなくなり、ＣＤ時代になってからは、最近までまったく聴いていなかった。ラトルの来日がいつのことかは記憶にないが、もうかれこれ１５年くらいにはなるのだろうか。
　それでも１枚くらいはなければと思い、しかしこの曲の決定盤もなかなか見つからず、とりあえずスウィトナーで買っておいた。

　そして、今回のジュリーニである。それにしてもトホホな「楽曲」だ。ブラームス１番と並んで２大破廉恥曲と認定しよう。（最近ではブラームス４番やチャイコフスキ４・５番あたりも、怪しく見えるようになった。）

　ジュリーニの演奏は比較的端正である。その中に炎のジュリーニが垣間見える感じだ。だからまだ聴いていられるんだが、もう少し感情移入の激しい指揮者だったらとても恥ずかしくて聴いていられない。（名前を出すのもおぞましい。）
　一旦盛り上がって、もう終わるのかと思えば、また一からやり直すようにくどくど繰り返してみせる。「もういいよ」とうんざりしてしまう、というのが正直な感想だ。
　年齢と共に聴かなくなる理由はここにある。ジュリーニが再録しないのも当たり前だ。

　さて、このレコードは、東芝ＥＭＩのＨＳ２０８８リマスターである。いい評価を聞いた事がない。
　しかし私は違う。このリマスターはある意味で素晴らしい。各々の音が三角形のようにこちらに鋭角的に飛び出してくる。飛び出す絵本のようだ。非常に音像が近い。定位感もよい。高域にクセがあるという向きもあるが、全くそんなことはない。
　これはリマスター（あるいは録音技術）の、ひとつの究極のかたちであると思う。
　だがこれが音楽的であり、クラシックの再生に相応しいかというと大いに疑問が残る。「自然感」にも乏しい。人工的なニオイがプンプンなのである。科学調味料たっぷりというか、作られた音。

　いずれにしても、少なくともこのＨＳ２０８８リマスター盤が「イイ音」で再生できないということは、その装置にはまだ問題（課題）が残されている。リマスターのせいにしないで、「謙虚」に自分の装置にもう一度目を向けて欲しい。
　高価な装置でないからダメだと言っているのではない。装置の使いこなしができていない、と言っているのだ。
　オーディオというものは、買ってきてポンと置けば「いい音」が出るわけではないのだ。
(2000/09/13)

ムソルグスキー：展覧会の絵
チャイコフスキー：交響曲第６番「悲愴」

ジュリーニ指揮／PO
（BBC）’61 mono

　時折レコード屋さんに行きますが、私の場合、そこらの店頭に欲しいレコードがあるなんていうことは、もうほとんどあり得ないわけで、特に欲しくはないんだけど、せっかく来たんだから１枚くらいは買っていかないと、という程度で、じゃあ一体どれを買ったら・・・、とかなり長時間店内をさまようこととなるわけです。
　それでも何か見つかればまだいいほうで、止む無くあきらめて帰ることもしばしば。
　ある日こんなものが目に留まりました。「そういえばこんなのもあったっけなー。」
　これを今まで積極的に買わなかった理由は２つ。１．古い時代のものは聴かずともよい。同じ曲を録り直ししているなら、そちらを聴けば十分。２．モノラルである。
　特に「２．」は決定的です。
　しかし、最近私はBBCを見直しました。オリジナルの音源に、ほとんど手を加えないでデジタリング（リマスタリング）している（だろう）ため、音質が素晴らしいのです。臨場感が損なわれずに再現できているのです。
　モノラルという決定的ハンデはありましたが、ＢＢＣさん、一回につきだまされてみましょう。

　やはり、音質は期待どおりでした。ノイズたっぷし。ライヴはやはりこうでなければなりません。
　ノイズを消そうとしてしまうから、ライヴ感（空気感、臨場感）という一番大事なものも消えてしまうのです。ライヴなんてのはノイズの坩堝なんですから、ノイズを聴きに行く覚悟がなければライヴなんかとても聴いていられません。
　モノラルですが、空気感がよいため、その割りにいい雰囲気で聴けます。だまされてみて正解でした。

　演奏は若い時代のジュリーニです。「炎」の時代です。熱いです。私はこういうスタイルは最早好みませんが。
　イギリスの聴衆というのは熱狂しやすいのか、「展覧会」の後ではかなり凄い拍手喝采が聞かれます。「ギャーオゥー！」と叫んでしまっています。
　「悲愴」のほうは・・・、私はこの曲はどうでもいいんですが。
　ただ一つ注目したのは、３楽章の後で聴衆がどう反応しているかということでした。
　平然としていました。まるで何事もなかったかのようです。これがいいのか悪いのか、正しいのか正しくないのかはよくわかりません。日本の場合、たいていお約束で拍手が出るもの（のよう）です。
　私は楽章間の拍手は結構なことだと思っています。感動したら素直にそれを表現する。それで何の問題もないと思っています。（ただ、「ここで必ず」拍手ってのも、いかにも田舎くさいですけどね。）
　本当に全体の有機性を強調したかったら、ほとんど合間なしに演奏してくれればいいわけだし、そうしないで、楽員もごそごそざわざわするは、チューニングはするは（中には練習してしまったり）、指揮者もリラックスしてしまっているはでは、統一間も緊張感もないでしょう。
　何より聴衆のゲホゲホが興覚め以外の何ものでもありません。楽章間まで我慢できるなら、全部終わるまで我慢していればいいのに。どうせ呑み込んでしまうことだし。
　そんなことなら拍手「でも」してくれたほうがよほどましです。少なくともステージに注意をはらっているよ、という「せめてもの」証のためにも。
　演奏が始まっているのに、まだゴホゴホ言ってるバカも多いんですから。
('02/1/13/日)

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フォーレ：レクイエム

ジュリーニ指揮／フィルハーモニアO
（DG）'86/3

　既にお気付きだとは思いますが、私が聴く曲たちというのは比較的限られており、なおかつ聴くアーティストはさらに限られている、ということで、どういう切り口で持っていっても最終的には同じ方向に収束していく、という宿命を負っているわけです。
　ですから、（我が）四天王であるザンデルリンク、ジュリーニ、P・マーク、C・デイヴィスの演奏のある曲は、それさえ聴いていれば何の不満もない、ということになる訳です。
　
　誤解していただきたくないのは、初めに四天王ありきではない、ということです。断じてそうではありません。最初のうちはなるべく浅く広く、いろんな演奏家を聴きました。そのうちにだんだんこれらの演奏家なら、どれも素晴らしいと言うふうに絞られてきたのです。「素晴らしい」というのは漠然としていますが、端的に「自分の好みに合った」ということです。これらの四者に共通点はあまりないと思います。理由なんかありません。あくまでフィーリングですから。
　学術的、技術的、歴史的その他諸々の「的」背景なんか、私には関係ないし、興味もありません。「その音楽を聴いて、私が感動したか否か。」これだけが唯一無二の尺度です。

　ということで、ミサ、レクイエムといえばジュリーニのスタイルが私のイメージ、理想に一番合います。結局、ロ短調ミサも、ドイツ・レクイエムも、これも、ジュリーニでよろしいんではないかと。これがあれば、とりたてて他に必要はないと、いうことになってしまうわけです。

　これは、録音にやや難があります。
　不思議な感覚なんですが、音場はとても深いのに（だから優秀録音のはずなのに）、音像が今一つはっきりしない。ぼんやりしているんです。
　
　以前にも書いたかもしれませんが、これは本来矛盾しています。音像がピシッと定位すると、グーンと深い（かつ広い）音場が出現する。これらは連動し、両立するものなのです。これが私の追求する理想の音です。
　どこかのオーディオ誌に「音場派」と「音像派」があると書いてあったような気がします。今はどうしても捜し出せないので、立ち読みであったかもしれません。私はそれを読んだとき、噴き出してしまいました。音場を追求したら、音像を犠牲にしなければならないのか。（あるいはその逆も。）
　とても可哀相な人たちだと思いました。
２００２年２月２２日（金）

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◆参考文献

１）「クラシックＣＤの名盤　演奏家篇」　文春文庫　平成１２年

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'01/05/03 Ver.1.0

カルロ・マリア・ジュリーニ